Los parámetros de la música

Carlos Vicent Strymon BigSky.jpg

Cuando se piensa en las maneras de ordenar la información implicada en el proceso musical, casi siempre se encuadra todo en: melodía, armonía y ritmo. Posiblemente, estos sean los tres parámetros más evidentes, importantes e incluso definitivos en ciertos tipos de música, pero desde luego no son los únicos. Es algo similar a lo que sucede con los cinco sentidos o las inteligencias. Se ha demostrado que existen múltiples en función del prisma con que éstas se observen.

A mayor grado de consciencia, mas amplia y realista será la percepción, y mayor sentido adquirirá la música, bien sea como oyente o como creador. Es interesante como después de adquirir unas nociones de teoría musical, músicos y oyentes empiezan a valorar más las construcciones armónicas, la variedad rítmica o melódica. Por el contrario, también es muy común que se ignore o incluso se menosprecie algunos aspectos más presentes en diferentes expresiones musicales.

Cierta piezas de música contemporánea o electrónica pueden ser decididamente minimalistas en su armonía, pero al mismo tiempo ofrecer un gran contraste en sus texturas. Una fuga, es compleja en la conducción de las voces, a pesar de poder estar escrita en compás de 4/4 con solo unas pocas figuras rítmicas. El blues, posee una forma razonablemente sencilla, pero tocarlo bien implica, entre otras cosas, tener buen manejo de recursos expresivos en las melodías, conocer el lenguaje, el ritmo y hacer un uso creativo de las dinámicas.

De la misma forma que es injusto comparar bajo los mismos parámetros un cuadro realista con otro impresionista,  o una novela con un poema, es igualmente absurdo poner todas las músicas bajo el mismo microscopio. Ni siquiera hay que ser músico para sacar conclusiones de esta idea. Si se observa lo que conmueve, o a lo que da importancia cada oyente, es obvio que cada uno vive de modo muy diferente su relación con la música. Por ejemplo seguidores del Folk, el Hip Hop o el Jazz. Todos ellos se emocionan y extraen diferentes recompensas de cada género. Ésto es posible porque cada música posee cualidades diferentes, e incluso atributos extramusicales igualmente influyentes.
Cada expresión musical alberga una naturaleza única, y hará un uso específico de las herramientas que mejor se adapten a su discurso. Por eso, los músicos hemos de estar muy en contacto con los posibles parámetros implicados en la música.

Ted Greene propuso esta lista con lo que él denominó “Las 9 áreas principales de la música”:

1. Melodía (decoración a través de la ornamentación, embellecimiento diatónico o cromático, abreviación y fraseo).
2. Armonía (Tipos de acorde, conexión de acordes, movimiento de tónicas, conducción de las voces).
3. Registro y Espacio.
4. Textura.
5. Ritmo armónico (Frecuencia en el cambio de acordes).
6. Ritmo (Tempo, métrica, acentos normales o desplazados, figuras rítmicas).
7. Color tonal (instrumentación: densidad, un instrumento o un grupo, ¿todos tocando las mismas notas?)
8. Dinámica (Volumen y acentos rítmicos).
9. Forma.

Un ejercicio muy revelador, consiste en escuchar música habitual o nueva prestando atención a las posibles áreas implicadas. Esto podría ser una puerta abierta para empezar a percibirla desde otro punto de vista, y valorarla con mayor profundidad y sentido.

De igual manera, podemos llevar el mismo análisis a nuestra forma de hacer música. Ser plenamente consciente de nuestro proceso  musical puede aportar luz en los momentos de bloqueo o escasez creativa.

Además de los parámetros anteriormente mencionados, hay muchas otras variables a la hora escuchar, comprender o crear música, todas ellas con un peso definitivo en el resultado final. A continuación, enumeraré algunas cuestiones a las que merece la pena dedicar un poco de atención, y valorar si las tenemos presente en nuestra música y en nuestras audiciones. Éstas, pueden interesarnos más o menos, pero el ejercicio no reside en aplicarlas necesariamente, si no en tomar consciencia de su existencia.

1. Tonal, atonal o multitonal.
La inmensa mayoría de la música que se hace en occidente, es música tonal. Esto quiere decir que está basada en un sistema que jerarquiza los sonidos, a pesar de que haga uso de cromatismos e incluso de diferentes grados de atonalismo.  En el dodecafonismo y posteriormente el serialismo, el concepto tonal y la forma, llegan a quedar por completo diluidos en virtud de una expresión creativa más libre. Algunas composiciones de Arnold Schönberg y  Anton Webern son una referencia de música atonal. El politonalismo, por otro lado explora las posibilidades en el empleo de dos o más tonalidades simultáneamente. Ígor Stravinski y Bela Bartok entre otros, han compuesto música con este concepto. La tonalidad es de gran importancia, pero desde luego, no definitiva.

2. Improvisación, composición, arreglos o  recomposición.
La naturaleza de la creación está directamente relacionada con la expresión. Cómo se concibe la música determina por completo el resultado final.  Mientras que la composición admite toda la complejidad que quiera implicar el artista, la improvisación, que se podría ver como un tipo de “composición a tiempo real”, es más espontánea y participativa. A medio camino entre la interpretación y la composición están los arreglos, y llevando la idea aun más lejos, la recomposición, que es básicamente una reinvención, donde la composición adquiere toda una nueva dimensión. Un buen ejemplo de ésto son las recomposiciones de las Cuatro estaciones de Vivaldi por Max Richter.

3. Adaptación para diferentes instrumentos.
El compositor Isaac Albéniz, escribió Asturias originalmente para piano, en la tonalidad de Sol menor.  A pesar de esto, con el tiempo la pieza se hizo mucho más popular en su adaptación a la guitarra española, transpuesta a Mi menor para aprovechar mejor las posibilidades de las seis cuerdas. Cada instrumento es único en sus posibilidades técnicas y expresivas, así que es buena idea tener una perspectiva más amplia en cuanto a la instrumentación.

4. Vocal o instrumental.
Un hecho irrefutable es que la música es un idioma universal que trasciende las palabras. Y ese es precisamente el motivo de que pueda emocionar a cualquier persona, idependientemente de su contexto cultural o su propio conocimiento del arte. Por otro lado, la canción es el vehículo por excelencia de la música popular, con un mensaje más claro y directo, al hacer uso directo del lenguaje. Diferentes opciones expresivas, que pueden darse por si solas o combinadas.

5. Fusión de géneros.
El valor que aportan ciertas músicas puede residir en lograr integrar diferentes estilos, para conseguir una nueva propuesta. A veces, estas fusiones son una evolución más lógica y evidente por la proximidad estilística, como por ejemplo en el Blues Rock o el  Country Rock de  Led Zeppelin y the Eagles respectivamente. En otros casos la fusión es bastante más arriesgada por aunar estilos más dispares, como el Flamenco Jazz de Pedro Iturralde, o la fusión de Jazz y música india de John McLaughlin en Shakti. Grupos como Rage Against the Machine incluso han creado un sonido propio mezclando Hip Hop, FunkMetal, donde el resultado final ni siquiera se percibe como la suma de varias partes.

6. Contexto, evolución y ruptura estilística.
Penetrar en ciertas músicas viene necesariamente ligado a conocer el periodo en que éstas se crearon. El contexto determina poder comprender el momento creativo que estaba viviendo cada artista, de donde venía, que influencias tuvo y qué intentaba conseguir con su música. Escuchando y comparando dos obras de Miles Davis como Birth of the Cool (1957)Bitches Brew (1970) y , se puede apreciar la vertiginosa evolución que atravesó el trompetista, en poco más de una década. Prácticamente son dos géneros diferentes, y es complicado captarlos sin ver todo el proceso con la ventaja de la distancia.
Sin tener que recurrir a una música que ha evolucionado tan rápido como el Jazz, The Clash grabaron su primer disco en 1977, sin apenas saber tocar sus instrumentos, para solo dos años después publicar una obra como London Calling, y un año mas tarde Sandinista, que poco tenía ya que ver con el Punk original de sus comienzos. Evolución y ruptura mantienen el mundo del arte en constante movimiento.

7. Instrumentos novedosos.
La guitarra, tal como la conocemos hoy, tiene varios siglos de existencia y forma parte de la evolución de instrumentos de cuerda y similares características como el laúd o la vihuela. La guitarra eléctrica es además, un instrumento mucho más joven, ni siquiera ha llegado a cumplir cien años desde su nacimiento, y menos aun desde su popularización. Es un hecho irrefutable, que la invención de nuevos instrumentos ha tenido un impacto decisivo en la música. En ocasiones son las propias necesidades musicales, las que demandan nuevos instrumentos, como la Guitarra Pikasso de 42 cuerdas, construida para Pat Metheny, bajo sus especificaciones. En otras casos sucede al contrario, que nuevos instrumentos inspiran a componer diferente música, como por ejemplo los artistas que componen e improvisan música empleando loopers.

8. Grabación y producción.
Los métodos de grabación tienen un impacto enorme en el resultado final que se puede apreciar en cada disco. Hay tantas caminos como ingenieros de sonido y técnicas de grabación puedan existir. Algunos más tradicionales y otros más experimentales. El guitarrista clásico Kurt Rodarmer se atrevió a grabar las Variaciones Goldberg de J.S. Bach para guitarra clásica. Estas obras, fueron escritas originalmente para teclado, así que tuvo que arreglar y digitar estas piezas para varias guitarras, algunas de ellas con diferentes registros, e incluso construidas expresamente para la ocasión (como una guitarra clásica barítona). Pero además también grabó toda la música por pistas, algo totalmente inusual en la música clásica, donde hubiera sido más frecuente el arreglo para dúo o trío, por otro lado imposible de llevar a cabo por un solo guitarrista. El resultado es excepcional y un claro producto de una mente abierta e intrépida, sin miedo a la experimentación.

A veces olvidamos con facilidad que la música es algo más que un conjunto de convenciones, y que el arte debe ser tan libre como lo sea la imaginación del creador y del oyente. Eso implica un pensamiento que va más allá de la lógica, y en ese desafío reside gran parte de su belleza, en encontrar nuevas formas de expresión. Ese es nuestro trabajo como músicos, y no otro.

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6 pensamientos en “Los parámetros de la música

  1. Excelente artículo, como músico entiendo y aprendo a entender cada aspecto de este arte tan perfecto… Artículo excelente

  2. Interesante el artículo. Soy muy tradicionalista en lo que toco y lo que escucho, y pienso que una buena canción es aquella que tiene una buena melodía, porque generalmente es lo que más se queda en la mente, tanto que no importa si se entiende o no la letra por las barreras del idioma. Acepto que haya otras formas de hacer música que inclusive no requiere tocar ningún instrumento, solo que hacer con un ordenador y un programa. Cuando la ausencia de melodía no es la excepción sino la regla, todo suena igual. Con una sola pista se pueden hacer muchos experimentos y venderlos como lo último en música. Es ahí donde no comulgo porque el cuerpo sin alma no tiene escencia, como la música sin melodía tampoco. Es mi forma de pensar, oír y ver el futuro de este bello arte. Lo que importa no es la cantidad de música que se produzca sino la que trascienda en el tiempo.

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